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Apr 26, 2023

Un café parisien ensoleillé dans un 19ème

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Mange ici

Par Zoey Sondage

Ce printemps, le musée Bourdelle récemment rénové dans le quartier Montparnasse à Paris a ouvert un nouveau café-restaurant lumineux, Le Rhodia, du nom de la fille du sculpteur français Antoine Bourdelle. La salle à manger sobre, jaune jonquille, occupe le deuxième étage d'un atelier d'artiste du XIXe siècle où Rhodia Bourdelle et son mari, le décorateur d'intérieur Art Déco Michel Dufet, ont vécu. "Nous voulions que ce soit comme entrer dans l'appartement de quelqu'un", explique Marc-Antoine Servella, co-fondateur du studio d'architecture parisien SAME, qui a supervisé la conception du café. Il a fourni au Rhodia un mélange de trouvailles du marché aux puces du milieu du siècle et de pièces personnalisées commandées à des artisans français dans des matériaux allant du travertin au chêne, tout en préservant quelques détails originaux comme un poêle à bois et une grande fenêtre oculus (conçue par Dufet dans l'esprit du décor de cabine de paquebot pour lequel il était le plus connu). Les visiteurs du musée peuvent également dîner à l'extérieur sur la terrasse en mezzanine à côté d'une colonnade de bustes en bronze vigilants. Le menu propose des plats rafraîchissants, avec des références culinaires à la ville natale de Bourdelle dans le sud-ouest de la France et une influence latino-américaine - un hommage, dit le chef français Jean-René Chassignol, aux dizaines d'étudiants du Pérou, du Chili et d'Argentine qui ont fait leur apprentissage avec Bourdelle dans ces ateliers. Les plats, plus légers, comprennent une purée de haricots noirs avec des betteraves marinées et des noix de maïs, ainsi que des empanadas aux légumes de saison. Des pâtisseries, comme la brioche Rhodia à la crème de fleur d'oranger ou la madeleine d'Antoine au miel et au thym, sont servies toute la journée. instagram.com/lerhodia_bourdelle/.

Regarde ça

Par Adriane Quinlan

Lorsque l'artiste Juan Pablo Echeverri est décédé à l'âge de 43 ans l'année dernière, il a laissé derrière lui plus de 8 000 autoportraits pris dans des photomatons de passeport à travers le monde. Ce qui avait commencé comme un journal de coiffures et de piercings s'est transformé en un projet d'art conceptuel au fur et à mesure qu'Echeverri évoluait en tant qu'artiste. Cet été, une grille assemblée à partir d'environ 400 de ces photos sera accrochée à la James Fuentes Gallery de Manhattan ; une autre a été présentée à Between Bridges, l'association à but non lucratif de Berlin dirigée par l'ancien employeur d'Echeverri, le photographe Wolfgang Tillmans, qui a aidé à organiser les deux expositions.

La mort soudaine d'Echeverri des suites du paludisme est survenue au moment où sa carrière s'accélérait, avec une exposition à León, au Mexique, et un travail dans la collection de l'ancien président de sa Colombie natale. Mais ce serait une erreur de voir dans les portraits un sombre memento mori. « Je ne veux pas alourdir l'œuvre », dit Tillmans, qui préfère la voir comme Echeverri l'était : sournois, cérébral et autodérision. Le titre de la série de passeports, "Miss Fotojapón", associe une blague sur l'échec passé de la Colombie à remporter le concours de Miss Univers avec le nom d'une chaîne de traitement de photos. L'exposition à New York comprend également "Identidad Payasa" (2017), une série de doubles portraits où l'artiste partage l'objectif avec des clowns de rue à Mexico. Dans un premier temps, Echeverri prenait leurs photos en grand costume, puis demandait aux clowns de recréer le regard sur lui, une manière d'incarner leur position. Tillmans dit que les photos montrent à quel point Echeverri sympathisait avec les clowns – ils étaient tous les deux des artistes, mettant en scène une performance visuelle et portant des masques. "Sont-ils à prendre au sérieux? De toute évidence, on se moque d'eux. C'est profond, mais il a joué la lumière", dit-il. "Identidad Perdida" est à l'affiche du 7 juin au 29 juillet, jamesfuentes.com.

Reste ici

Par Michaela Trimble

Le groupe hôtelier texan Bunkhouse - connu pour ses propriétés intimes et communautaires comme l'hôtel Saint Cecilia et l'hôtel San José à Austin - s'est récemment agrandi avec des ouvertures à Salado, au Texas; Louisville, Kentucky et, plus récemment, Mexico. L'hôtel San Fernando se trouve à Condesa, le quartier connu pour son architecture Art déco et ses vastes parcs bordés de jacarandas. Dix-neuf chambres occupent désormais l'Edificio San Fernando, un immeuble d'appartements des années 1940 dont les sols en carreaux de céramique aux teintes de jade et les vitraux ont été conservés lors d'une rénovation par Bunkhouse et le cabinet d'architecture de Mexico Reurbano. Des arcades de couleur prune bordent un hall vert sauge, à partir duquel les clients montent un escalier en colimaçon pour atteindre les chambres. Les meubles ont été principalement fabriqués au Mexique, notamment des meubles en contreplaqué du studio de design La Metropolitana, des lampes rouges avec des abat-jour en verre soufflé à la bouche du studio Oaxaca Oaxifornia et des œuvres d'artistes locaux tels que Pedro Friedeberg et Ricardo Guevara. Vous pourrez prendre vos repas sur le toit, avec des pâtisseries comme des conchas à la vanille pour le petit-déjeuner et de petites assiettes comprenant des tostadas et de l'aguachile à partir de midi. L'hôtel San Fernando ouvre le 1er juin ; chambres à partir de 215 $, bunkhousehotels.com.

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Par Becky Malinski

Les créateurs de Cartier ont pour habitude de créer des bijoux précieux à partir d'objets du quotidien. La collection Juste Un Clou transforme un clou de construction en manchettes et colliers incrustés de diamants, tandis que le Cactus de Cartier, un ensemble de dômes épineux, imagine la plante du désert comme une bague de cocktail. La collection Grain de Café poursuit cette tendance en utilisant les grains de café comme source d'inspiration pour les bracelets, boucles d'oreilles, bagues, colliers et broches. Créés par la directrice de longue date de la maison, Jeanne Toussaint, les charmes sur le thème de la java sont apparus pour la première fois dans les créations de la maison en 1938. Le prince Rainier III a offert à Grace Kelly un ensemble de café pour leur mariage en 1956, et son collier, parsemé de petits pendentifs en forme de haricot d'or, a servi de référence pour les nouveaux modèles. En juin, la société présente six nouvelles pièces à la collection, d'une chaîne de style corde enfilée avec cinq haricots en grappe à une bague bicolore sertie de haricots suspendus à pois de diamants. Ils sont tous conçus pour bouger légèrement, émettant un jingle énergisant. À partir de 7 250 $, cartier.com.

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Par Katherine McGrath

La céramiste française Ludmilla Balkis a d'abord commencé à façonner l'argile dans des pots, des bouteilles et des bols jetés comme un moyen d'abandonner son ancienne vie dans la mode - inspirée par le travail délicat de la sculptrice britannique Lucie Rie, elle voulait trouver un rythme créatif naturel libre de la directive de produire selon un horaire fixe. Balkis avait suivi une formation de créateur de mode et avait travaillé avec Phoebe Philo chez Celine à Londres ; elle a commencé à fabriquer de la céramique en 2015. Ses structures fines comme du papier, sculptées à partir de l'argile brun rougeâtre qu'elle récupère du bord de mer français et mélange avec du sable pour obtenir une texture plus rugueuse, défient l'attraction de la gravité, menaçant de s'effondrer. Des objets qu'elle trouve lors de longues promenades dans la nature au Pays basque français, où elle tient un atelier, sont souvent incorporés dans les pièces. Dans sa dernière exposition, "Stasis", présentée à partir de la semaine prochaine à la Roman and Williams's Guild Gallery de New York, un bassin en grès blanc sablé est imprimé de brindilles, tandis qu'un trio de récipients en forme de lanterne a des bords bruts parsemés de cendre de bois sec. "D'une certaine manière, les mouvements et les techniques [entre la céramique et la mode] sont similaires", explique Balkis. "Draper du tissu autour d'un mannequin consiste à tirer et à épingler un matériau pour créer un design en trois dimensions. En céramique, je répète intuitivement ce processus - je crée autour d'un espace vide, mais je travaille dessus comme si c'était un corps imaginaire." « Stasis » sera visible du 9 juin au 15 juillet sur rwguildgalleryny.com.

Enfile ça

Par Monica Mendal

La créatrice de robes de mariée Danielle Frankel Hirsch a déjà conçu des collections de bijoux en perles pour accompagner les hauts à dos nu en soie et les robes en tulle qu'elle crée pour sa marque, Danielle Frankel. Mais dans le cadre de sa mission de faire évoluer les traditions du mariage dans de nouvelles directions, Frankel Hirsch a choisi un support moins attendu pour ses derniers accessoires. "J'ai commencé par la question 'Si nous pouvions mouler des fleurs [en argile], à quoi cela ressemblerait-il?'", dit-elle. Elle a commencé à chercher des références et a trouvé des images de fleurs fanées qui étaient à l'origine imprimées sur des cartes de cigarettes et avaient été numérisées dans le cadre de la collection George Arents à la bibliothèque publique de New York. Puis elle a découvert un artisan basé en Ukraine dont la spécialité est la création de sculptures florales réalistes, en utilisant de l'argile moulée sur un cadre en fil de fer. Frankel Hirsch vend maintenant une gamme de fleurs, y compris des boucles d'oreilles anémone lavande et magnolia rose, et des broches lys et rose. Elle s'attend à ce que les mariées se rendent compte que chaque motif est légèrement différent des autres et, contrairement à un bouquet, ils peuvent être conservés pour toujours. À partir de 1 250 $, daniellefrankelstudio.com.

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