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May 06, 2023

Le MFA Show de Columbia est une expérience immersive

On peut avoir l'impression que les foires dominent actuellement la scène artistique de New York,

On peut avoir l'impression que les foires dominent actuellement la scène artistique de New York, mais plus loin dans la ville, les 30 étudiants diplômés du MFA de l'Université de Columbia présentent leur travail de thèse dans une exposition réfléchie qui offre une pause bienvenue par rapport aux expositions commerciales. The Unraveling and Exploding of Time, Space, and Matter, organisé par Jasmine Wahi et jusqu'au 21 mai, occupe deux étages au Lenfest Center for the Arts de l'école et implique plus que de simples peintures accrochées côte à côte ou des œuvres d'art regroupées en catégories arbitraires. Au lieu de cela, l'exposition compile des œuvres incroyablement disparates dans un réseau d'espaces de galerie immersifs, parlant tous d'une manière ou d'une autre du thème impossible de l'exposition. Que signifie « le démêlage et l'explosion du temps, de l'espace et de la matière » ?

Les estampes, aquarelles et papiers peints imprimés sur linoléum de Garrett Ball abordent le titre verbeux de l'émission dès la première entrée. Face aux portes de la galerie, l'installation est une dissection obsessionnelle et pseudo-mathématique de l'art occidental et de la notion du temps mettant en scène un tourniquet de métro et l'imposante architecture du célèbre hall de Grand Central Station. Désormais, les artistes se débarrassent largement de cette imagerie canonique, concoctant leurs présentations de thèse à partir d'objets non traditionnels et de souvenirs personnels.

Une chose qui ressort du spectacle est l'exploration par une poignée d'artistes de la peur comme outil pour transmettre un sens plus profond. Au niveau supérieur, l'installation à deux volets d'Anna Ting Möller comprend des membres coupés suspendus au plafond de l'espace sombre et une boucle vidéo de 10 minutes. Le film mélange des images personnelles et paysagères prises en Chine (Möller est chinois et suédois). Les scènes - des aperçus d'une bouteille d'eau posée sur une table, la façade d'un immeuble, une rue bondée, une rivière sereine et des mains agitées - évoquent un souvenir de course. Devant la vidéo, les œuvres sculpturales de Möller sont réalisées en partie à l'aide de la culture kombucha. Le probiotique est fabriqué à partir de thé et de sucre, deux moteurs de l'impérialisme, et Möller décrit son utilisation du matériau comme une réflexion sur les histoires coloniales.

Deux étages plus bas, Alison Nguyen a convoqué une horrible voiture coupée en deux remplie de terre. Un film troublant qui suit la vie de trois femmes programmées par intelligence artificielle dont les souvenirs ont été effacés, entrecoupé de références à la guerre du Vietnam, se joue sur trois écrans proches. Dans une scène, les femmes sont assises à l'arrière d'une voiture avec un homme mort allongé dans un tas de terre à leurs pieds.

D'autres œuvres sont plus ludiques. "Wayward Bridge, Westward Sun" (2023) de Merry Sun comprend trois plates-formes inclinées avec des tuyaux en acier alignés le long de leurs côtés. Les tuyaux jouent des notes fantaisistes alors que le spectateur traverse les ponts ondulants.

Une autre présentation étonnante incorporant du son est l'installation en plusieurs parties de Paul Rho, Tidal (2023), qui mêle photographie analogique et pots de lune, une céramique coréenne traditionnelle. Les haut-parleurs à l'intérieur des bocaux jouent des notes singulières rapides - des enregistrements de Rho frappant des cloches en céramique - sur une boucle de 10 minutes. Les pings se déplacent d'un pot de papier à l'autre et ne sonnent jamais en même temps. Les intervalles entre les notes sont trop longs pour capter un motif, transformant l'œuvre éthérée en une autre installation quelque peu troublante.

J'ai rencontré Rho près de son installation, installant sa caméra pour documenter l'exposition pour ses camarades de classe. En créant Tidal, m'a dit Rho, il s'est demandé comment il pouvait "faire de la photographie quelque chose d'autre". Le projet a commencé avec l'artiste jetant des pots de lune sur un tour de potier, puis les enveloppant de papier de mûrier imprimé de photographies de la Corée, où il a grandi. Rho a estimé que l'aspect matériel de l'œuvre était terminé, il a donc ajouté un élément de performance dans lequel il frappe deux cloches alors qu'il renverse les pots en papier tout en portant une tenue traditionnelle coréenne de hanbok (les cloches, la robe et une petite vidéo de la performance sont affiché près des pots en papier).

"En fin de compte, je ne peux pas jouer 24 heures sur 24, 7 jours sur 7, donc cela doit prendre la forme d'une installation", a déclaré Rho. Avec l'aide d'un ami, il a enregistré le son des cloches et les a fait jouer à l'intérieur des bocaux lunaires.

L'exposition Columbia MFA comprend également une poignée de peintures exquises, certaines contemplant des histoires collectives et d'autres relayant des moments profondément personnels. " Duo Divorce Club " de Conor Dowdle (2022) dépeint un bar de Brooklyn. Dowdle, qui a dessiné sur place, m'a dit que les personnages assis sur les tabourets du bar ressemblaient vaguement à de vraies personnes. Le bar ressemble presque à un carnaval, avec ses teintes jaunes et son plafond peint avec le motif de rayons de soleil d'un chapiteau de cirque. Les figures elles-mêmes semblent également transitoires, vaguement délimitées et floues comme si elles étaient en mouvement.

D'autres œuvres sont plus abstraites. Levi Nelson, un artiste de la nation Lil'wat en Colombie-Britannique, au Canada, a conçu une série de peintures à l'huile incorporant des éléments de conception autochtones, notamment la ligne de coffrage du nord-ouest du Pacifique et le style de sculpture Coast Salish. Dans sa déclaration d'artiste, Nelson explique qu'il a choisi la tradition européenne de la peinture à l'huile comme moyen d'explorer ce que signifie être un artiste avec une identité qui a été "interrompue, influencée, brisée, puis reconstituée des deux côtés". "

Au rez-de-chaussée, les peintures de Li Wang montrent un seul sujet nu dans divers espaces domestiques baignés d'un éclairage vibrant. Kat Lowish a également créé une série de peintures représentant des intérieurs. Ils sont pour la plupart calmes et parfois surréalistes, demandant ce qui se passe dans nos environnements les plus intimes quand personne n'est là pour les regarder. La série de peintures à l'huile aux formes étranges de Kevin Cobb joue avec la perspective et la perception de soi, empilant de multiples réalités de vision dans des œuvres uniques et dépeignant le point de vue de l'artiste pendant qu'il crée physiquement les œuvres d'art.

Peut-être grâce à l'organisation méticuleuse de Jasmine Wahi, qui a fondé le projet artistique local à but non lucratif Project for Empty Space, chacune des 30 présentations transporte le spectateur dans des endroits extrêmement différents tout en restant quelque peu cohésive. Ce qui les rapproche pourrait être les échos effrayants des boucles vidéo remplissant les galeries, donnant même aux œuvres les plus légères le sentiment que le temps, l'espace et la matière sont en effet « en train de se défaire et d'exploser ».

Elaine Velie est une écrivaine du New Hampshire vivant à Brooklyn. Elle a étudié l'histoire de l'art et le russe au Middlebury College et s'intéresse au rôle de l'art dans l'histoire, la culture et la politique. Plus de : Elaine Velie